爱华网色粉画：法文、英文名称Pastel，来源于意大利语Pastello。Paste是“糊状物体”的意思，表明材料的性能。Pastel中文也译作“粉画”、“粉笔画”，彩色粉画笔，台湾译作“粉彩画”。顾名思义是一种有色彩的绘画。它并不是水粉画，而是干的特制的彩色粉笔。色粉画画在有颗粒的纸或布上，直接在画面上调配色彩，利用色粉笔的覆盖及笔触的交插变化而产生丰富的色调。色粉画的创作工具由颜色、用途各异的色粉笔组成。色彩简单地被画在纸上或画板上，整个过程完成得迅速快捷，即画的就是人所观察到的，不用准备颜料，也不会因某些原因使颜色发生变化。这种简单的创作形式也适用于复杂的情形，对此，许多色粉画家都在他们的作品中有所体现。色粉画既有油画的厚重又有水彩画的灵动之感，且作画便捷，绘画效果独特，深受西方画家们的推崇。色粉画是西洋主要色彩画种之一，大约有500年历史。它是从素描演变过来的。
色粉画_色粉画 -基本简介
19世纪法国德加的色粉画《芭蕾舞女》
色粉画，也称粉画、彩色粉画笔。台湾叫粉彩画。顾名思义是一种有色彩的绘画。它并不是水粉画，而是干的特制的彩色粉笔。
色粉画画在有颗粒的纸或布上，直接在画面上调配色彩，利用色粉笔的覆盖及笔触的交插变化而产生丰富的色调。
色粉画的创作工具由颜色、用途各异的色粉笔组成。色彩简单地被画在纸上或画板上，整个过程完成得迅速快捷，你画的就是你所观察到的，用不着准备颜料，也不会因某些原因使颜色发生变化。
这种简单的创作形式也适用于复杂的情形，对此，许多色粉画家都在他们的作品中有所体现。色粉画既有油画的厚重又有水彩画的灵动之感，且作画便捷，绘画效果独特，深受西方画家们的推崇。
色粉画_色粉画 -传承历史
色粉画
色粉画的历史可以追溯到旧石器时代，当时的人们用石粉研磨成的颜料在洞穴中画他们熟悉的动物、劳作等场景，留下了许多神秘而久远的视觉记忆。到了中世纪时期画家们就有用色粉块来作画的了。文艺复兴时期的大师们（如达芬奇、米开朗基罗、荷尔拜因等）用矿粉制成的色粉画笔来画他们的创作稿和习作，不过这时的色粉画大都是单色的，类似素描，色彩比较单一。到了十七世纪，色粉画由于众多画家的实践，逐渐从单色发展到多色，并运用色彩的关系来处理画面。
而后，由于色粉画的材料日趋完备、技法亦臻成熟，色粉画作为独立画种的地位在这一时期被确立，并迅速传遍欧洲。十八世纪，法国、英国、意大利等国的画家（如布歇、夏尔丹、柯特、罗萨巴、卡丽埃拉等）运用色粉来表现肖像画和风俗画等，色粉画的运用范围进一步拓宽，使得这一时期的色粉画空前繁荣。十九世纪色粉画在欧、美等国得到进一步发展。随着印象派绘画的兴起，色粉作为色彩画的一种形式更受人们的关注。德加、威雅尔、卡萨特等大师把色粉画这一古老而又年轻的画种，推向艺术的高峰，并留下了许多不朽之作，如《浴女》、《明星》、《镜前》等。
色粉画在西方传统深厚，与油画、水彩画等画种地位相当，从文艺复兴时期的达・芬奇、米盖朗基罗，到十九、二十世纪的德拉克洛瓦、米勒、马奈、雷诺阿、德加、卡萨特等大师都留下过很多经典粉画作品。
色粉画_色粉画 -绘图工具
色粉画
1 笔：普通粉笔是用石膏粉做的，颜色颗粒太粗，色彩也太灰。而粉画笔是特制的，是以矿物质颜料加入少量的胶压制而成。它很少添加填料，因此原料较贵。但色泽纯正，因为是用粉画笔的原色作画，不同于其他画种所用的颜色可以事先进行调配后再加使用，所以就要求笔的色相越多越好，但也不是绝对的，有很多情况也是在画的过程中加以调合，才产生了粉画笔所没有，而表现对象又需要的颜色。这是对色相不足的一种补救的办法，而这就是技巧。
粉画笔分软和硬的两种。一般以质地柔软者为佳。对于习惯以线造型的作者比较适合使用硬笔。它也可以画细小的地方。画大的地方，可以把笔折断了横着画，画小的地方怎么办呢？只要在画的时候认准了一个方向画，不久笔就会出现棱角，就可以画细的地方了。
画素描的炭精棒，有棕色与黑色的，如果比较软，也可以用。有一种被称为叫“索斯”的素描干性材料，色相有棕，绿褐，熟褐等，因为色彩很沉着，画起来很便利。
2 纸：一般的粉画是画在纸上的。当然也有画在布上的。这种纸是特制的。苏州有专门做的这种纸，它是在比较硬的卡纸上附着着一层金刚砂，湖南衡阳也有人用竹子的锯沫做的。台湾画家一般用的都是法国的康松纸，价格比较贵，有压制的纹理，但是纸基比较光滑，不适宜反复加工。湖南纸，因为基底比较软，不伤粉笔。
纸也可以自己做，只要在卡纸上先用水粉画颜料做一个自己需要的色彩，然后涂上乳胶，用筛子（800目到1000目，即每平方厘米有800到1000个小眼）把金刚砂均匀的落到纸上，干了以后，把多余的沙掸去就可以用了。
粉画多数利用一定的底色，这样就可以大大的节省成本，而且可以统一色调。营造出一种特殊的效果。许多时候可以留出一些纸的本色，而不必把画面全部涂满。保留一点习作的趣味，反而虚实相生事半功倍。 一般来说，选用纹理均匀，软硬适度，纸基较厚，比较平整的为佳。
3 修改工具：画失败的地方，可以用普通橡皮，可塑橡皮以及油画笔把粉去掉。但是，最好尽量少用，以免损伤纸的纹理。
大片面积的色彩希望它均匀柔和，可以用布或者手去擦。纸笔与油画笔也可以用来将色粉揉进纸纹中去，以免用手擦会损伤皮肤。也可以用软海绵拖鞋的后跟，切割一小块代替手擦。
色粉画_色粉画 -艺术特点
19世纪法国德加的粉画《蓝衣舞者》
色粉画从效果来看，它兼有油画和水彩的艺术效果，具有其独特的艺术魅力。在塑造和晕染方面有独到之处，且色彩变化丰富、绚丽、典雅，它最宜表现变幻细腻的物体，如：人体的肌肤、水果等。色彩常给人以清新之感。从材料来看，它不需借助油、水等媒体来调色，它可以直接作画，如同铅笔运用方便；它的调色只需色粉之间互相搓合即可得到理想的色彩。色粉以矿物质色料为主要原料，所以色彩稳定性好，明亮饱和，经久不褪色，如吉多雷尼（1575―1642）用色粉画的画，至今尚存，色彩如新。
色粉画表现力强，它的色相非常鲜艳与饱和。有的还有些荧光的效果，闪闪发亮，这是其它颜料中所少有的。所以色粉画的效果很特殊，颜色既可以画得很强烈，又可以画得特别的“糯”与柔和。
粉画比油画要轻便，也不像水粉、水彩那样有一个水份干湿衔接的问题。所以它不受时间和水分的限制 ，既不用调色油，也不要计算水份，简易便捷，十分省事。
色粉画_色粉画 -发展历程
肖像画时期
色粉画艺术产生后，其独特的技法与个性，很快就被德国文艺复兴时期著名代表小汉斯・荷尔拜因（1497-1543）予以丰富和发展。菏尔拜因终身从事肖像画创作，成就盖世。新生的色粉画艺术，与他那种笔调生动、宁静质朴的画风一拍即合，成为他肖像艺术极富表现力的艺术手法之一。
色粉画艺术的大规模发展，大抵是到17世纪。1665年，法国皇家首房画家查尔斯・约瑟夫（1619-1690），用粉笔为路易十四画的肖像受到赞赏，得到皇室的认同，使色粉画带上了某些官方效应，色粉画艺术便很快盛行开来。当时的宫廷有两个倾向，一是王公贵戚喜好把肖像画作为一种时髦，二是流行巴洛克艺术，追求华美、矫揉与装饰效果，这些都对色粉画有不小的影响，加上粉笔的纯净、艳丽的色彩与柔和的笔触，很适合表现人体细润的肌肤，因此，色粉画便集中在肖像画领域并逐步被推向了创作的高潮。
历史上第一位专画色粉画的职业色粉画家，是出生于威尼斯的罗萨尔巴・卡瑞拉（一译卡里耶拉，1675-1758）。她发挥了粉笔的柔和细腻的特点，画出贵妇人的肌肤剔透晶莹，形成一种华丽、矫饰的风格，很适合贵族阶级的审美要求，因而大受欢迎。她被邀请到巴黎及其他许多城市作画，有很大的影响力。她为色粉画艺术的早期发展，作出了重要的贡献。
卡瑞拉所处的时代，正是法国绘画日益趋向复杂性和多样性的时期。一方面是巴洛克很快发展为更甜腻、纤细、轻巧的洛可可艺术，成为18世纪法国绘画的时代精神。另一方面，法国艺术又在一定程度上朝着洛可可相反的方向，特别是肖像艺术逐步朝着注重现实、注重刻画个性的方向发展。这种大背景，使18世纪色粉画亦呈现复杂的、多重性的状态。或如卡瑞拉那样，追求柔美、轻松、豪华的意趣；或如弗朗梭瓦・布歇（1703-1770）和玛利亚・路易斯・维瑞・勒布伦（1755-1842）等宫廷画家那样，表现出对时尚的浮华、优雅、矫揉造作描写的偏爱；或如著名的莫里斯・康坦・德・拉图尔（1704-1788）、让・巴普蒂斯特・佩罗诺（1715-1783）以及让・巴普蒂斯特・西米昂・夏尔丹（1699-1773？）等注重现实的画家。一反官方模式的理想表现，提倡纯真、朴实、着眼于人物个性的挖掘。而在整体上，这些不同的倾向，又大致统一于细腻、典雅和富有华贵气的风格之中。色粉画在历史上有一个雅号叫“贵族艺术”，主要就是指它具有这种备受贵族阶级青睐的画风。
纵观十七、十八世纪，色粉画艺术发展十分迅速，形成色粉画历史上的第一个繁荣期。以巴黎为例，1780年，仅这个城市就聚集了两千五百多名色粉画家，可想繁荣的程度。然不久风云突变，1789年法国大革命爆发，如日中天的色粉画艺术突然跌入谷底。大革命推翻了贵族，丧失了赏识细腻、典雅画风的有闲阶级，色粉画失去了主顾和对象，从此沉寂了将近半个世纪。
印象派时期
色粉画艺术的复苏大致到19世纪40年代。此时的色粉画已不再是贵族艺术，先是进入一个短暂的转折期。促成转折的，最早是欧仁・德拉克洛瓦（1798-1863）。他开始用粉笔为大型创作画草图，同时也画色粉画风景。他的浪漫主义，一定程度上促进了色粉画从贵族艺术走向现实与自然。而完全推动色粉画在全新审美构架中发展的，则是法国的让・弗朗索瓦・米勒（1814-1875）。他使色粉画呈现一种崭新的风貌，一种淳朴、凝重的风格，并充满着浓烈的抒情氛围。他同时还扩大了风景与静物等现实题材。我们从米勒《冬天里的乌鸦》、《雏菊》等传世作品中，可以领略到米勒所特有的那种浑厚端庄的美感。色粉画的特性在这里得到了新的拓展和延伸。现实的美学观念扫除了洛可可的遗风，改变了繁复的艺术样式。
在米勒之后，印象派的出现，预示一个新纪元的到来。由于斑斓的色粉笔，很适应印象派画家表达对大自然的直觉感受，表现跳动着的光色与生命感的企求，特别受到青睐。印象派画家们除了面对大自然，发展风景画外，人物画方面也转到了表现世俗女性等现实的题材，追逐令人愉快的色彩美效果。这个时期高手如林，群星争艳，早一点的有贝尔特・莫里索（1841-1895）、詹姆斯・惠斯勒（1834-1903）、爱德加・德加（1834-1917）、爱德华・马奈（1832-1883），稍晚有莫奈（1840-1926）、皮埃尔・奥古斯特・雷诺阿（1841-1919）、玛丽・史蒂文森・卡萨特（1844-1926）、图卢兹・劳特累克（1864-1901）等等，都是印象派时期卓著的色粉画艺术家。
其中，德加、马奈和卡萨特三人，是美术史上公认的促成色粉画再度兴盛的大功臣，尤其是主帅德加。德加30岁前主要画油画，35岁后慢慢转向色粉画。他在安格尔严谨的素描与造型基础上作了巨大的发展，特别是把线条与色彩巧妙地结合，以不经意的笔触与构图，刻意追求光色颤抖的效果，形成了独立的品格。他画的色粉画主要有三类题材，一是芭雷舞演员生活，如《舞台》；二是歌女形象，如《咖啡厅音乐会》、《戴手套的女歌手》；三是闺房梳洗，如《浴盆》、《浴后擦身的女人》。除此，德加还画一些肖像和日常生活的作品，如《杜兰特肖像》、《在妇女帽子店》等。德加的色粉画，比他的油画更有魅力，色彩更饱和。尤其到晚年，他完全沉醉于色粉画创作，其线条、色彩与光感的交融，达到了炉火纯青的地步。
马奈早年追随学院派，1868年认识贝尔特・摩里索特后，促成他到户外写生，最后接受了外光色彩。这时他快40岁了，他也是从这时候才开始画色粉画。他的主要贡献：是在接受了印象派理念后，以革新的姿态进入了色粉画创作。《躺在椅子上的马奈夫人》是他的力作。他风格单纯、简约，注重画面气氛的渲染，表现光色流连的色彩效果，体现了印象派的独特手法对色粉画艺术的巨大价值。
卡萨特是德加的学生，比德加小10岁，德加对她颇有影响。约1880年她开始画色粉画，到年届花甲终于迎来创作的高峰期。20世纪的最初十年，是她色粉画的多产年代。她毕生的创作主题是母亲和孩子，如《睡眠中的婴孩》、《母亲、小女与幼子》等，都是她高峰期的杰作。卡萨特的色粉画作品差不多都是直接写生的，结构准确，笔触放纵、简约、很有力度，色泽明净、融和，充满着活力，画面特别灵动、大气与率真。
现代与当代
印象派之后的色粉画，是以画家个性化发展为主要特色的时期。随着理念不断地更迭，色粉画的特性也被打上了更为强烈的个人烙印，艺术样式与图式也得到了更为充分的开拓。
对现代色粉画作出贡献的，首先要谈到奥迪隆・雷东（1840-1916）。他和德加是同一时期的人，他吸收了印象派注重光色的成果，但他不属于印象派。他的美学主张是发挥想象而不依赖视觉印象。他的作品大致有两种倾向，在版画创作中他表现鬼怪幽灵和死亡等主题，而在色粉画创作中则营造一种介于现实与非现实之间的意境。注重斑澜的色彩与诗意盎然的情趣。雷东的色粉画创作集中在他的后半期，他画了很多插在花瓶里的花，如《长颈瓶上的花束》，是雷东晚年的重要作品。他把色彩强调到极致，似乎脱离了植物的本性，特别明亮耀眼，同时用变幻莫测的背景，加强朦胧与神秘感。他的所有作品都带着梦幻般的效果后世超现实主义画家因此把他称作潜意识绘画的先驱。
毕加索也对色粉画艺术作出过重要的贡献，他从年轻到晚年各个时期都留下了许多色粉画佳作，从立体主义、超现实主义，到结构主义、波普艺术无不染指。其中，《妇人与乌鸦》是他蓝色时期的杰作和最后的延续。大家颇为熟悉的《杂技演员一家和猴子》，则是粉红时期的代表作之一。毕加索在创作著名的《亚咸农少女》时，亦借助色粉画的形式，探索立体主义。他最名的《格尔尼卡》，在构思过程也画了色粉画《母亲和快死去的孩子》，并依此画出《格尔尼卡》画面左边的母亲和孩子。毕加索直到临终前几个月，还画了多幅色粉画肖像。
以往有些论者，由于不太了解色粉画历史，误以为印象派之后，色粉画艺术退到了边缘，主要作为收集素材和勾勒草图用。其实，色粉画虽是速写和创作草图的一种好形式，但更主要的它是极富表现力的一个独特画种，兼容性很强，任何风格的画家都可以自如地运用它。正因为这一点，现代艺术大师们，以大无谓的气慨，进行了比印象派时期更为广泛的实验、探索和创新。如20世纪风格变化最多的画家克利（1879-1940），德国桥社的发起人、表现主义画家施米特・罗特勒夫（1884-1976）、当代著名色粉画家罗纳德・布鲁克斯・基塔伊（1932-2007）、法国的森・山方（1934-？）、意大利皮埃特罗・阿尼戈尼（1910-1988）等等，他们的许多作品，都可以印证这一点。
色粉画在当代西方非常普及，题材极其广泛，风格各异。同时，当代色粉画的主体活动也极为活跃。如美国女画家弗洛拉・姬芙尼创立的美国色粉画学会，已有40年的历史。每年都举办色粉画公开赛，成为全球瞩目的艺术活动之一。当代著名色粉画家、美籍华人张哲雄，1997年也创立北美色粉画协会。美国共50个州，据不完全统计，有色粉画协（学）会58个，广布各州。其他如英国、法国、爱尔兰、瑞典、西班牙、俄罗斯、加拿大、澳大利亚、新西兰、日本等许多国家，也都建有色粉画学术团体。
除此，还要介绍一个有趣的现象，说明色粉画在西方普及的程度。早在16世纪，意大利就有街道色粉画节的活动。到20世纪成为意大利的传统节日，此后每年都举办国际性的街道色粉画节。1987年和1993年，美国加州圣芭芭拉市和洛杉矶巴沙迪那市，也先后开始举办街道色粉画节，直到现在，规模越来越大。如洛杉矶笫九届街道色粉画节，来自全美五百五十多位画家，在巴沙迪那市政府前两百多块场地上作画。虽然展出时间仅一天，且门票每张5美元，但参观者仍超过两万多人，可见人们对色粉画的关注程度。
色粉画_色粉画 -作画方法
色粉画
1.直接画法：就像大师德加的方法，直接用笔，以点，线，面进行并置，颜色不加混合与覆盖。 这一画法，速度快，有激情，画面痛快淋漓，一气呵成，能发挥粉画色相丰富，用准确的线条和色块来塑造对象的特点。直接画法，一般层次较少，粉沫也较薄，留下的笔触生动清晰。要求作者下笔准确，有一定的力度，手腕要有弹性，能灵活的用笔。这是这种画法的关键。这样的画法，既可以画快速，简练的画，也可以画得很细致，很深入。纸质以细的为好。
2.多层画法：就是非一次性完成。而用多次重叠的方法来完成。这种技法往往用来搞创作。这样的方法，表现力极强，色调的过渡也非常微妙。画面能收到浑厚，凝重，沉着，耐看的艺术效果。
多层画法先要有比较严格的轮廓造型基础，然后铺色，与画油画，水粉画一样，也是先深后淡。欲暖先冷，欲冷先暖。逐步加亮色调，这样色彩才会有透明感。我有时候，为了不断的深入，在适当的时候，就喷一层固定液，以巩固其基础，保留画面的颗粒状，再继续作画。这个画法，纸张以较粗的为好。可以利用笔的轻重，在前面的颜色基础上，进行部分的覆盖。有时候还可以轻轻的用笔，让它露出一部分的纸的底色，由于底下是粗的颗粒，所以会有一种种很好看的机理效果。
3.揉擦：画非常光滑的物体，适当的运用揉擦可以取得很好的效果，人体上就用了一些揉擦的办法，可以使皮肤的质感十分细腻光滑。某些微妙的色彩，如果画得太明显，也只需轻轻一揉，立刻可以搞定，还显得有半透明的感觉。比画油画的加工方便多了。但是，这种方法必须重视结构的表现，不然会像吹鼓的气球。造型软弱无力，纸的纹理也易被腻死。因此要因画制宜。而且也不适宜用得过多，太多了会显得太甜腻与俗气。通常3种方法同时应用于一幅画中，则画面就会丰富多彩，充满韵味。有时候，还可以在局部加些水彩，水粉画颜色，以节约粉笔。粉画有个最大的好处，就是只要色彩基本正确，一般是不会脏的。但是如果加的次数太多，或者是在淡色上加了深色，也会发腻，发灰，发粉。这一点要特别注意。
笔力的轻重能在纸上产生出明度，色度的变化来，这是一种非常富有表现力的手法。由于粉画不需要事先调色，而且常在有底色的纸上作画，因此，粉画笔的原色，加上透出来的底色，实际上在视觉上已经产生了色彩的调合。尤其是经过揉擦的部分，色彩的调合更加丰富。每个画种有自己的特点，粉画自然也有自己特殊的魅力，如果把粉画画的完全像国画，或者油画，那也没有意思，就像是用钢琴去模仿敲锣打鼓一样，学得越像越失败。
4.喷胶固定，装框:现在多数粉画家不喷胶，如果要喷，画要平放，喷嘴要离开得远一些。画完后应该装在玻璃镜框里。“西画不装框，好象将军在澡堂”。但是不能用有机玻璃，因为那有静电，粉会被吸附上去。而且有机玻璃不能擦，一擦就会毛。
色粉画_色粉画 -注意事项
色粉画
由于色粉颜料性质较为松软，勾轮廓稿时最好用炭笔（条），不宜用石墨笔勾绘，用纸方面，最好使用本身具有细小颗粒状的纸张，以便颜料可以更好地附着画面上。
色粉笔颜料是干且不透明的，较浅的颜色可以直接覆盖在较深的颜色上，而不必将深颜色破坏掉。在深色上着浅色可造成一种直观的色彩对比效果，甚而纸张本身的颜色也可以同画面上色彩融为一体。
笔触和纹理：色粉笔的线条是干的，因此这种线条能适应各种质地的纸张。这种干性材料，像其它素描工具一样，要依据纸张的质地。一张有纹理的纸允许色粉笔覆盖其纹理凸处，而纸孔只能用更多的色粉笔条或通过擦笔或手揉擦色粉来填满。纸张的纹理决定绘画的纹理。
纸的颜色对色粉画很重要，因为这一技法的特点之一就是亮调子覆盖暗色背景的能力。
用手指、布调和色彩：布、纸制擦笔和手指都可以用做调和色粉笔的工具。布主要用于调和总体色调，而总体色调中的具体变化则多用手指，因为用手指刻画形体时更为方便。用手指调和色彩时，力的轻重可以自己掌握。用力较轻，底层的颜色就不会跑到表层上来。用手指调和还可以控制所调和的范围，不至于弄脏周围的颜色。
色粉画_色粉画 -中国传播
色粉画
李超士是第一位将西方色粉画传入中国的绘画大师。他一生多画粉笔花卉，粉画人物存世很少．李先生生前画过大量的粉画。通过这些作品，可以看出他深厚的写实根底，也可看出他汲取了印象派表现光与色的长处。他的作品充满了浓厚的生活气息，在题材和表现方法上，从不以怪异惊人，正是画如其人，含蓄厚实，质朴可亲。先生的粉画，构图章法富于中国传统绘画的特色，疏密有致。用笔繁简得当，线条流畅洗练，色彩艳丽谐调，并充分运用有色粉画纸的底色特点，发挥粉画特殊的艺术效果。在他的笔下，最平凡常见的瓜果、花卉，盘景、静物等，都产生耐人寻味的艺术魅力，达到优美抒情的意境，使人得到高度的艺术享受。由于色粉颜料的特性，可以把较浅的颜色直接覆盖在较深的颜色上面，而不会将深颜色破坏掉，所以在画面的每个色调范围内，不论前景的树干，还是远景的房舍，都形成一种微妙的色彩叠压效果，仿佛一场合唱，每个声部都获得了发挥，而整体效果又非常和谐。
画家为了突出色彩与肌理的变化，故意淡化了物象的形体与景深的空间关系，给画面平添了淡淡的装饰意味。这幅画虽然创作于各种政治运动风起云涌的五十年代中期，却有着超越时代的动人的欢愉与温馨，而它保留的纯正的形式趣味，更显得意义非凡。在他存世的少量写生粉画人物作品中，这幅少女头像画是精品之作．造型精准、形象生动、神态灵动、色彩透亮，水平极高。这幅画虽无落款，但从此画的创作年代、绘画技法、纸本颜料、作品风格和水平等多方面看，都是哪个年代李超士的精品，而从那时到现在，中国除李超士外，可以说没有人能画出如此精妙的粉笔人物画来。
二十世纪初，李超士把色粉画传入中国。老一辈的画家留学欧洲接受西洋绘画的教育（其中包括色粉画），回国后做了推广工作，色粉画在我国也慢慢发展起来，特别是改革开放后，画家们的创作思想得到了进一步解放，创作空前活跃，有志之士为了振兴和发展该画种，曾多次举办色粉画展览，并把水彩和色粉画作为单独画种设置、参与评奖，全国美协成立艺委会。通过几代人的不懈努力，色粉画这一古老的画种又迎来它的春天。
色粉画_色粉画 -发展前景
虽然色粉画有其久远的历史，有着光辉的历程，但在中国，大部分人对它还很陌生。过去艺术界人士大都把它归入小画种，而没有受到应有的重视。在国内艺术市场中，色粉画扮演着“丑小鸭”的角色，偶有拍品出现也是一些老艺术家们的手稿、小品，总体上没形成气候。然而，色粉画在欧美国家却普遍受大众的喜爱，随着中国人民生活水平的提高，对外来文化的认知不断加深。可以预见色粉画的发展前景是光明的。纵观中国百年现代艺术的发展，从中不难发现，大多从事西洋绘画研究的艺术家们，除了他们的创作之外，都有过粉笔画作的经历，有些画家终身追求、爱不释手。
中国油画家颜文梁先生的色粉画作品《厨房一角》成为其代表作载入史册。从艺术品市场角度来看，现代画家的色粉画，拍卖都有不俗的表现，新生代画家也有很好的业绩。随着人们审美水平不断提高和审美情趣的多元化，色粉画由于自身的诸多优势，将成为收藏的新宠，升值空间也会越来越大。
