爱华网“我不是电子音乐家，我是艺术家。我只是用了电子设备在创作音乐。”
文/曾焱
对于电子音乐，我们多数人的印象都被法国人雅尔定格在了2006年故宫午门前那个盛大的音乐狂欢场景。2007年9月19日晚“艺术北京2007”开幕式上池田亮司的中国首演，为我们带来了一次异端的电子音乐体验，表面上依旧是视觉和音效的组合，却完全脱离了我们既定的音乐感受模式。就像意大利未来主义者卢索拉（LuigiRussolo）百年前在他那篇著名的“噪音的艺术”中所宣言的那样，池田亮司用人们所认为的噪音，彻底取代了“交响乐队乐器声音的限制”。他带来的作品C4I和datamatics[版本1.0]，以及他在“艺术北京”期间展出的最新声音装置《纽约时报》，将电脑制作和数字技术运用到了极致，向观众展示了电子音乐和多媒体艺术在未来的可能形态。 池田亮司的名字，音乐人未必熟悉，国际当代艺术界却视他为最受推崇的前卫人士之一。20世纪90年代中期，他开始在音效和视觉的国际领域内受关注，音乐、时间和空间在他的作品里被重新以数学方法塑造和表现，代表作Datamatics（2006～现在）和Formula（2000～2006）被评论界认为是极简主义理念在音乐中的延续和体现。 “很多人听了我的作品后，想象我是一个戴眼镜的技术狂人。我不是。”坐在记者面前的池田亮司瘦小、文弱，看起来安静而敏感，似乎与自身之外的人和物有一种本能的隔离。谈话深入，能感觉到他内心世界发散的信息变得逐渐强势，在寻找外界的接收和感应。 三联生活周刊:雅尔来中国演出时，特别选在了故宫午门广场，那种华丽构成他作品效果的一部分。而你似乎不介意在一个简单而封闭的小空间。 池田:我和他不一样，雅尔喜欢公开、庞大，而对于我，作品是第一位的，场地是次要的，我要让空间来适应作品。 三联生活周刊:听你演出之前，我特别读了一些评论文字，坦白说看不太懂。但在现场，我觉得进入你的世界并不难。你平时看这些评论吗？他们说的，是你想做的吗？ 池田:艺术作品是没有办法解读的，这也是我对接受媒体采访非常谨慎的原因。我从不在乎人家怎么来评论我的作品，只在乎听众的现场感受。感受是非常个人化的东西，很难用语言传达给他人。对我而言，我创作并呈现作品，观众去体验和感受作品,只有当这两部分结合起来时，我的作品才算是“完成”了。 我不是那种在工作室里创作的艺术家。我的音乐结构非常数学，直接由我的大脑和电脑互动完成，这是一个理性的过程。传统音乐是作曲家写出来，然后由指挥和乐队来实现它。对于我的音乐作品，我做了这一切，包括作曲、指挥、演奏和技术，甚至是唱片制作发行。所以我更愿意把自己看成一个传统意义上的画家或者雕刻家，他独自完成和呈现作品，这样才能表达得纯粹。我的作品完整表达了我。 三联生活周刊:在你的音乐会上，观众找不到你。 池田:是的，我从不出现在台上。我是艺术家，不是DJ。 三联生活周刊:这次演出的Datamatics系列是你的最新作品吗？有没有计划做到多少个版本结束？ 池田:应该说它是我最新的项目，我也不知道会在何时结束。9月19日晚你们看到的是Datamatics1.0版本，最新的2.0版本10月1日在巴黎蓬皮杜中心首演。Datamatics并非单一的音乐项目，比如它还包括6个声音装置作品，其中3个已经实现，其余正在构想。我在这个项目上做了很多不同以往的创作体验，像我和法国国家电台的合作:我每个月创作一部电子音乐作品，电台在连续10个月的时间里，固定在每月的第一个周日的夜晚播出，每次六分钟，精确到不差分秒。时间被限定，空间无限定;尤其是成千上万的听众是流动的、未知的。这种合作使得我的音乐与在音乐厅里演出相比较，完全拥有了另外一种可能性。这种全新体验令人兴奋。 三联生活周刊:2003年你作为音乐家获得“世界技术大奖”提名，技术在你的音乐中占据多大比重？
池田:对于艺术家而言，使用技术是很正常的一件事情。就像你在日常生活中使用手机和铅笔等工具一样。 三联生活周刊:技术和艺术之间的界限以后会更模糊，然后在某一天完全消失？ 池田:在我看来，“艺术”(art)和“技术”(technology)这两个词在最初的时候就是同一个意思。“艺术”（art）作为一门技术在中世纪就建立起来了，而“技术”(technology)在当时似乎是远离于“科学”(science)领域的。我总是抱着批判的态度使用技术。在“艺术”(art)和“技术”(technology)这两者之间或许将会有更有意思的回应与关照。不论如何，我们无法离开技术而生存。 三联生活周刊:电子音乐是一种时尚消费品吗？我发现你2001年作品《Matrix》就借用了当年风靡全球的电影(《黑客帝国》)。 池田:不，这是一个巧合。虽然我的唱片和电影在同一年推出，构思和创作过程在1999～2000年已经完成了。Matrix是个技术名词，它和我的音乐创作始终相关联，对于那部电影讲述的故事我并无同感。 三联生活周刊:评论说你“开创了电子音乐领域一个全新的极简主义美学理念”。是否可以理解为，雅尔他们那一代已经过时了？ 池田:雅尔的表演适合放在奥运会开幕式这样的场合，音乐本身其实不错，但在庞大的观众群和壮观的场面下，表演的主题在我看来就已经不再是艺术本身了，成了一种类似杂技之类的狂欢。他的作品经常带有强烈的专制感。他所使用的扬声设备叫做PA（Publicaddress），这种设备最初的用途是为面对庞大群体的政治演讲服务的。在这个意义上，雅尔对这个设备使用最贴近其技术的原始目的。从这个层面上讲，我感到他已经过时了。相反地，虽然我也是用了相同的技术，但是我总希望通过音乐的呈现来触及观众的听觉极限，让人们通过各自的个体体验，使得视听感受变得更加的敏感。 三联生活周刊:你个人认为目前全球最好的电子音乐在哪里？ 池田:欧洲。当然，这是对于艺术家而言，不是艺术市场。美国人有很好的当代艺术，对电子音乐的接受度却不高，他们只关注市场所关注的东西。在纽约，我介绍自己在用电脑创作音乐，很多人都很惊奇，好像从来没有听说过。那里的观众习惯了音乐家站在台前表演的音乐会，我的作品他们当成电影来看。 三联生活周刊:你的电子音乐作品属于当代艺术吗？ 池田:我的创作本身是属于当下的，我的作品当然也属于当代艺术领域。谈到当代艺术，人们往往更关注视觉艺术，但声音艺术事实上也是其中一个部分。我不是电子音乐家，我是艺术家。我只是用了电子设备在创作音乐。 三联生活周刊:你关心当代艺术市场吗？比如作品在有影响力的艺术博览会上的展示和交易。 池田:我个人不喜欢商业的感觉，但我并不否认艺术博览会是信息集中和交换的最好形式。
